Valentin Fainsod
Introducción a técnicas audiovisuales
El día miércoles 9 de abril visitamos la exposición Premio Fundación Andreani Arte, Ciencia y Tecnología, que se encuentra abierta al público desde marzo hasta junio de 2025. En la misma se muestran las 24 obras seleccionadas para la nueva edición del Premio, el cual renueva su compromiso con el aporte al crecimiento y profesionalización de las prácticas artísticas contemporáneas argentinas.
La exposición, que se propone cuestionar los cánones para hacer arte y crear, presenta un ambiente inmersivo que nos invita a dialogar con los artistas para reflexionar sobre cómo la ciencia y la tecnología ponen en jaque al arte moderno y a la forma de relacionarnos. Distintas obras de la exposición critican al capitalismo, al mal uso de los avances tecnológicos, al anonimato y al deterioro ambiental. Cuenta con obras interactivas, lo que hace que sea muy dinámica y llamativa, además de requerir una percepción sensorial total. Por ejemplo, hay una obra que propone narrar a través de olores y sonidos que generan un estado de sinestesia.
Por otro lado, una de las obras invita a reflexionar sobre la falta de reconocimiento a empleados en trabajos poco remunerados, además de la pérdida de presencialidad en la actualidad al mostrar una perspectiva en primera persona de alguien invisible barriendo un museo virtual. Este conflicto lo podemos apreciar en nuestro terreno de estudio, el cine, ya que la gente está dejando de ir a salas para ver todo en plataformas de streaming.
La obra que nos llamó particularmente la atención fue "Parlamento Imaginario #1 (tríptico video)" de Andrés Denegri. La imagen es una combinación de dos edificios distintos: el Congreso Nacional Argentino y el Capitolio de la Habana, Cuba. mostrando una película de super 8 en blanco y negro como imagen fija que da cierta percepción de movimiento. Trabaja con la descontextualización contemporánea, jugando con la simetría del edificio y rompiéndola al mismo tiempo con esos cortes. Es como una mezcla entre lo clásico y lo moderno, lo estable y lo fragmentado.
Autorretrato:
https://drive.google.com/file/d/1pQiJmNzoVDn32QYArN-jh-5kjC0e9Fi6/view
Anamorfosis
Animación:
https://drive.google.com/file/d/1PiiK7RXd0mri-77b33d5fiwFxdBSXMwp/view?usp=drivesdk
Maya Deren, en su obra "Meshes of the Afternoon", rompe con la narrativa clásica y usa un montaje rupturista que no sigue una lógica como la de filmes clásicos. Juega con una distorsión del espacio y el tiempo.
En "At Land", también rompe con el uso típico de la espacialidad dando lugar a la experimentación.
Esta autora la vimos junto a Norman Mclaren, quien juega con la sobreimpresión y la oscuridad en su obra "Pas de Deux", donde vemos una danza.
También lo vimos junto a "Fireworks" de Keneth Anger, donde lo onírico está muy presente.
Estudiamos a Stan Brakhage, quien juega con la intervención del rollo cinematográfico, ofreciendo un mundo de posibilidades a partir de eso, pintándola o rayándola.
Nosotros tuvimos la oportunidad de hacer esto en el MAMBA, donde pintamos y agregamos cosas a rollos de película. Luego, cada uno de nosotros se llevó un rollo a su casa para intervenirlo y luego unirlos todos en un solo montaje.
Brakhage no solo jugaba con la intervención de los rollos, sino que buscaba mostrar que el cine no representaba el qué vemos, sino el cómo vemos, ofreciendo una experiencia sensorial en cada una de sus películas. Una que destaco es "Window Water Baby Moving", donde vemos el nacimiento de su primer hijo.
Vimos a Ken Jacobs, quien busca imitar la percepción del ojo humano. Hace la combinación de dos imágenes casi iguales para imitar las dos imágenes que se obtienen en cada mirada, la de un ojo y la del otro. Al combinar estas dos imágenes, se crea un efecto ilusorio de estar viendo una imitación de la mirada.
Aprendimos sobre Martin Arnold, quien hace filmaciones de proyecciones de películas viejas, películas de los comienzos del siglo XX. Arnold usa una pantalla transparente, por lo que se coloca detrás de la pantalla con respecto al proyector, y filma las películas, a veces filmando muy pequeños detalles como una parte del cuerpo de un personaje, logrando otra mirada sobre las películas.
Estudiamos a Jonas Mekas y su grupo llamado "Fluxus", que supuso un movimiento que buscaba desplazar al arte de un producto relacionado al prestigio y al virtuosismo, relaciónandolo con algo más lúdico.
En el grupo Fluxus pudimos ver obras de, por ejemplo, Yoko Ono, de quien vimos su obra llamada "No. 4", donde vemos planos detalle de las nalgas de distintas personas.
De Jonas Mekas destaco la parte que vimos donde habla sobre George Maciunas, otro artista de Fluxus que tiene una enfermedad terminal. Mekas nos acostumbra a un uso personal de la voz en off. Maciunas era de las figuras más importantes del movimiento fluxus,
Estos artistas que mencioné destacaban en lo cinematográfico, pero no en lo que es el video-arte. En el video, destacamos a Nam junk Paik y Wolf vostell. Vostell lo vimos en videos donde manipulaba televisores, y a Paik lo vimos también manipulando televisores y distintos objetos, pero también vimos su filmación de la visita del Papa en 1965.
TP final:
https://drive.google.com/file/d/1fMsiUdHjLjLaocrpuMaxNwAaljo_mJHg/view?usp=drive_link
Segundo cuatrimestre
En este cuatrimestre nos enfocamos principalmente en el video-arte, principalmente de los años 60s y 70s, que solían dedicarse a una propuesta rupturista y rebelde que arremetía contras las normas del arte hegemónico. Aunque se lo puede relacionar con movimientos de distintas artes, por ejemplo la pintura, nosotros nos enfocamos en la vía del video. Estos movimientos eran revolucionarios en cuanto a la manera de hacer arte y también en lo político, ya que de alguna manera podemos decir que son cosas que van muy de la mano.
Este formato permitía a los artistas filmar de manera independiente, sin depender de estudios. También era una forma más barata y lúdica
Vimos también artistas que usan el video arte de una manera egocéntrica, como Vito Aconcci. En Centers, literalmente se pone en el centro de la pantalla, mostrando un lado egocéntrico del arte.
La crítica Rosalind Krauss, en "Videoarte y la Estética del Narcicismo", plantea que el video en los años 70s se caracteriza por una fuerte tendencia a la autorreferencia, egocentrismo y narcisismo. También dice que esto deviene de que el video arte de esa época suele romper con la distancia crítica entre sujeto y objeto. Nombra algunas expeciones pero remarca esta tendencia.
Del videoarte argentino, vimos artistas como Sebastián Díaz Morales en su obra "El Cielo Cayendo", donde vemos filmaciones de la superficie desde el cielo, por ejemplo vemos a un hombre caminando en la nieve. Esta exposición la vimos en Art House, donde tuvimos una charla con Jorge La Ferla.
Vimos cineastas que utilizan material fílmico preexistente para dar origen a nuevos significados de estos, mediante el uso del Found Footage. Por ejemplo vimos (obviamente no completa), una versión muy alargada de Psicosis que se expone en un museo, pero también vimos algunas donde se mezclan distintos materiales mediante montaje, como por ejemplo Joseph Cornell.
V¡mos video-performance, donde podemos ver obras donde se reflexiona acerca de la idea del cuerpo y la relación con el cómo filmarlo y cómo esto lo altera.
Vimos obras de animación experimental, donde se expande los límites del cine jugando con formas distintas de hacerlo. Nosotros también tuvimos la oportunidad de hacer nuestras animaciones.
Vimos ejemplos de cine sin cámara, donde se interviene directamente en los rollos cinematográficos. Nosotros, al haber intervenido rollos en el MAMBA, hicimos cine sin cámara.
Estudiamos el cine estructural, un cine que se repiensa a sí mismo. Es un cine que se centra en la manera de hacerlo y experimentar de distintas maneras, es estructural porque reflexiona acerca de la estructura del film.
Estudiamos la anamorfosis, que se basa en mostrar un contraste entre una imagen más "objetiva" y la deformación de la misma.
La anamorfosis se puede dar con muchas técnicas diversas y la elección de la técnica a la hora de la realización es lo más interesante.
Nosotros tuvimos un trabajo donde experimentamos con la anamorfosis.
Vimos "Cine Expandido", el cual es un cine que busca expandir la conciencia, es una rama del cine experimental.
Busca nuevas relaciones entre arte y tecnología.